Hecho a Mano,RETRATOS

Constelacion

bE.FE.bI,

DIBUJAR es HuMANO

El dibujo está en todas partes. Estamos rodeados por él, está tejido en el urdimbre y la trama de nuestras vidas: lo practicamos como una de nuestras experiencias más tempranas siendo niños, y como padres atesoramos los dibujos hechos por nuestros retoños como nada más. La gente dibuja por todos lados en el mundo; el dibujo puede incluso ser usado como un lenguaje visual global cuando la comunicación verbal falla. Siendo adultos lo usamos pragmáticamente para bosquejar nuestros propios mapas y planos, pero lo usamos también para soñar –en borrones y garabatos. Usamos el dibujo para denotarnos a nosotros mismos, nuestra existencia dentro de una escena: en el contexto urbano, por ejemplo, el graffiti actúa como una forma de dibujo dentro de un campo expandido.

Verdaderamente, el dibujo es parte de nuestra interrelación con nuestro entorno físico, grabando en él y sobre él, la presencia de lo humano. Es el medio por el cual podemos entender y hacer mapas, descifrar y entendernos con nuestros alrededores mientras dejamos marcas, rastros o sombras para marcar nuestro paso.

Pisadas en la nieve, vaho en la ventana, estelas de vapor de un avión a través del cielo, líneas trazadas por un dedo en la arena –literalmente, dibujamos en el mundo material.

Dibujar es parte de lo que significa ser humano –de hecho, sería ridículo aplicar esta declaración a otros medios más especializados, como la pintura, escultura o collage, pero de alguna manera, aplicada al medio del dibujo, la idea es más fácil de comprender.

esTAmpA

LA LUZ COMO ESPECTRO Y CONFORMADOR DE ESPACIOS

Yo sería como la estampa que pega el grafittero en un poste de luz y tú serías la mano que arranca esa estampa porque le gusta entre todas las demás

Yo sería como la persona que corre inmediatamente y tú serías la razón de semejante acto

Yo sería como un mal vicio y tú serías un buen hábito

Yo sería como la mano que mece la cuna y tú serías quien me dice que lo haga con más calma, que no hay prisa

Yo sería como la caminata larga y tú serías el descanso

Yo sería como la primera gimnopedia y tú serías quien la toca en el piano

Yo sería como la persona llena de cosas buenas y tú serías otra persona llena de cosas buenas que causa todas las cosas buenas de la otra persona

Yo sería como la complicación y tú serías lo sencillo

Yo sería como una llamada hecha en mal momento y tú serías la llamada que siempre estoy esperando

Yo sería como el que escribe y tú serías quien provoca todo eso.

R.G-H

aRTE cOntempORaneo.ANALISIS.

Thomas Hirschhorn.CAVERMAN. 2002.

ENSAYO

Todo nace como un producto de la necesidad del ser humano y el arte por supuesto que surgió como una forma para verter cumplir estas necesidades. El artista trabajaba a partir de una serie de condiciones establecidas a partir de parámetros conocidos por todos y en todas partes como ARTE. Sin embargo la forma en como se desenvuelve hasta ahora es producto directo de la necesidad ,de nuestra necesidad.A partir de el surgimiento de la fotografía a partir del siglo XIX, la necesidad de los artistas cambio y de una manera sumamente importante tomando como punto de partida en el arte, en que la finalidad de esta siempre fue la de una función útil ,la tendencia en el artista se inclino en la mimesis y la captura de la imagen real.

De la invención de la cámara, la función del artista cambio y se planteo de maneras diversas, permitiendo al artista que su trabajo funcionara a partir de expectativas personales e inquietudes individuales; comenzó a tomar en cuenta la técnica como un medio y no como el fin de el arte.
Tomo en sus manos la posibilidad de distinguirse como ser individual y depositar su creatividad en expectativas personales a fin de encontrar el camino para llegar ala meta deseada y no impuesta. El artista se apuesta a si misma y dentro de esta metamorfosis del arte, se encuentran medios que componen un lenguaje creado y encontrado para la resolución de estas inquietudes, en todo caso, las técnicas no deben ser limitantes para la producción; de manera que la exploración y la locura(en muchas de sus veces)se volvió herramienta y proceso indispensable del artista.

El arte surgió (creo yo) como la expresión mas pura del ser,y digo ser por que tan solo la palabra nos otorga la condición de ser pensantes y actuar de manera para modificar nuestro medio en el que nos encontramos ,ya sea para descomponerlo ,analizarlo y volverlo a deshacer y la importancia de esta condición radica en la manera en como lo realizamos.
El estatuto del artista no exige que trabaje de tal manera y lo ate para responder a cierta respuesta. Por esta razón el devenir del arte busco todas las vertientes en las que pudo derramarse: un museo, una galería, el metro, la calle ,la web....
.Existe la idea de que el museo paraliza una obra ,la vuelve infertil; que la instalación carece de técnica y veracidad por ser efímera, que el color y la forma encontrado en las calles es cuestión de marcas territoriales pertenecientes a unos changos bandalos llamados grafittis. Y sin embargo....funcionan.


Al formarnos parte de este entorno, de explotación y globalización, hemos perdido pertenencia y a su vez de individualidad, pero esto no debe ser síntoma de pánico y tirarnos al desconsuelo, sino que al contrario, tomando todas las ventajas de esta dicotomía, podamos formar piezas para construir nuestra labor
La cosa no esta en sacar quien tiene mas técnica o cual es la manera mas comercial para producir, sino que la técnica debe reaccionar a nuestros procesos y nuestros ritmos. Yo no me opongo alas nuevas tendencias de arte contemporáneo y no por esto signifique que este de acuerdo en todas "las nuevas artes", sin embargo a veces que creo que Duchamp abrió la cajita de Pandora y no se como vaya acabar esto, y aun así no cedo y no me opongo para que esto que ala mejor se encuentre en un punto dividido, derive en la base para un arte próximo. por mucho...inesperado.

Exposicion

Trabajo forzado.LILIANA PORTER
Liliana Porter

linea de tiempo

Museo de Arte Contemporáneo

Rufino Tamayo

Esta exposición esta marcada claramente por el concepto básico de lo que significa el recuerdo: la vivencia simultánea de tiempo y espacio en la que se trabaja a partir de las imágenes contenidas en el sello muy personal de Liliana Porter puesto que a partir de la primera pieza empieza a relatar la premonición de la exhibición.
Porter trabaja a partir de soportes específicamente de colores fríos y dimensiones impresionantes ,adentrando en el concepto primordial de lo que representa una figura geométrica y sus componentes mas vulnerables de commposicion,una altura un volumen ,un peso y de aquí comienza a jugar, mostrándonos la destreza de la técnica pictórica y valiéndose de recursos como juguetes ,libros, y objetos melancólicos tales como la fotografía; trabaja con la sutil representación de lo que ella analiza a partir de un recuerdo.
Porter nos da digerida la información a partir de una lectura sencilla, a pesar de que se basa principalmente de armar sus piezas con el collage y la instalación ,el fotograbado y la pieza que mas es divertida son la de los videos.

Me interesa el trabajo de esta artista porque maneja el tema del recuerdo ,el paso de este, y la implicación del mismo en el espacio ,manejado desde la forma mas simple, de la concepción mas sencilla,de la acepción quizá mas burda ,pero de una forma muy inteligente y sin pretensiones.
A pesar de que se confía de un estilo estudiado ,se sabe de una manera dócil para trabajar y convencer a partir de los vestigios que va dejando Porter para averiguar como se reestructura el modelo de la memoria.
Creo que me interesa numero uno por el tema, quizá muy usado(cual no)pero tal vez por la manera en como utiliza el grabado y en si ,el dibujo mismo como registro no de un proceso ,sino de un resultado muy asertivo y bastante multidisciplinario, demuestra que hay temas que jamas el hombre dejara de plantearse ,de entenderlos del todo y mucho menos a aceptar teorías ajenas ,sino que como ser humano y en especial como artista ,uno se revuelve la cabeza con cuestionamientos de esta misma semántica.

TRABAJANDO EL ESPACIO..

Primeros trazos de Tesis

SITUACIONISMO

• Cultura: El reflejo y la prefiguración de posibilidades de organización de la vida cotidiana en un momento histórico dado: un complejo de estéticas, sentimientos y nociones de urbanidad a través de las cuales una colectividad reacciona sobre la vida que es objetivamente determinada por su economía. (Estamos definiendo este término sólo bajo la perspectiva de la creación de valores, no en la de enseñanza de las mismas.
  El encuentro de aquella mañana de 1957 fue tomando vuelo. Para 1968 el situacionismo se sentía por los sectores parisinos de gran importancia, las pintas agresivas llenaban las paredes de los edificios y las de los metros.
  Fred Vermorel quien militara en el situacionismo, subraya los abusos de los historiadores- mercantilistas y nos cuenta que la verdad es otra, mostrando sus apuntes donde se relata la rebelión estudiantil de París en 1968.
  Ese día - relata Vermorel - todos leían y coreaban las volantes distribuidas por los situacionistas, en la que decían entre otras cosas:
  "HAY QUE VIVIR SIN RESTRICCIONES; LA CULTURA ES LA INVERSION DE LA VIDA; NUNCA TRABAJES; EL BIEN COMERCIAL ES EL NARCOTICO DEL PUEBLO; EL ARTE ESTA MUERTO, NO CONSUMAS SU CADAVER..."
  el eventual descubrimiento de la crítica Situacionista tuvo un exagerado efecto contrario, dando a los situacionistas un monopolio aparente de la comprensión radical de la sociedad moderna y de su oposición. De ahí que la adhesión a la crítica Situacionista tuviese el carácter abrupto y fanático de una súbita conversión religiosa (que ha menudo ha dado lugar ulteriormente, debido a una actitud exactamente simétrica, a un rechazo de ella in toto). Por el contrario, el joven revolucionario que ahora se adhiere a las posiciones situacionistas tiende a estar menos sujeto a este exceso fanático, precisamente porque los diversos matices de la lucha Situacionista y de su recuperación son un aspecto familiar de su mundo.
  Los situacionistas crearan la Internacional Situacionista como vehículo para la difusión de sus ideas a través de la publicación de boletines, entendían la palabra como mecanismo de cambio es decir la palabra existe y por lo tanto todo lo que existe crea algún tipo de efecto, en este caso el efecto perseguido era un cambio en la sociedad, un cambio en la forma de vivir y de entender la vida.
  Para los situacionistas el vocablo de situacionismo carece de sentido para ellos el termino situacionismo esta "forjado abusivamente por derivación de la raíz anterior, no hay situacionismo, lo que significaría una doctrina de interpretación de los hechos existentes, la noción de situacionismo ha sido concebida evidentemente por los antisituacionistas".otros autores situacionistas son Raoul Vaneigem "La revolución de la vida cotidiana", Asger Jorn ,Kenn Knab "El placer de la Revolución".
  
• PSICOGRAFIA
  La investigación Psicogeográfica, "el estudio de las leyes exactas y los efectos específicos de la acción del entorno geográfico, conscientemente organizado o no, sobre las emociones y el comportamiento de los individuos", por lo tanto, adquiere un doble significado: la observación activa de la aglomeración urbana actual y el desarrollo de hipótesis para la estructura de una ciudad situacional.
  El progreso de la psicogeografía depende a grandes rasgos de la extensión estadística de sus métodos de observación, pero por encima de todo de la experimentación por medio de intervenciones concretas en el urbanismo. Antes de lograr esta fase no podemos estar seguros de la verdad objetiva de los primeros descubrimientos psicogeográficos. Pero aun cuando estos descubrimientos llegaran a ser falsos, seguirían siendo soluciones falsas para lo que es ciertamente un verdadero problema. En 1952, Debord funda su propia organización, la Internacional Letrista, formada por artistas, poetas y cineastas, dedicada a explorar nuevas formas de subjetividad revolucionaria. Su filosofía era la del experimento y el juego. Su método preferido fue el "dériver" (la deriva). Un método para la investigación espacial y conceptual de la ciudad por medio del vagabundeo. El objetivo de este método era la elaboración de una nueva ciencia que llamaron psicogeografía y que encuentra sus antecedentes en el deambular de los surrealistas, en sus interacciones psicológicas con el entorno urbano mediante la realización de recorridos nómadas por la ciudad.
  Nuestra actuación en el comportamiento, ligada a otros aspectos deseables de una revolución de las nociones de urbanidad, pueden definirse brevemente como la invención de juegos de un tipo esencialmente nuevo. La meta más general debe ser la de extender la parte no-mediocre de la vida, de reducir los momentos vacíos de la vida lo más que se pueda. Uno por lo tanto podría hablar de nuestra acción como una empresa de incrementar cuantitativamente la vida humana, una empresa más seria que los métodos biológicos que actualmente se investigan. Esto implica automáticamente un incremento cualitativo cuyos desarrollos son impredecibles
  Los situacionistas se proclamaban a sí mismos como revolucionarios interesados solamente en la libertad. Su intención era definir una propuesta más que la definición de una ideología, pues consideraban todas las ideologías como alienaciones que atacaban el territorio de lo subjetivo.Un aspecto fundamental del proyecto situacionista fue la disolución de las barreras existentes entre arte y vida cotidiana. Aunque negaron al situacionismo su condición de movimiento artístico, sus reflexiones sobre la condición artística han tenido gran influencia en el arte de este fin de siglo.
  

DETOURNEMENT: UNA IDEA PREEXISTENTE
Los situacionistas reivindican un modelo de sociedad y se sirven de unos recursos para provocar en el público un cierto estado de perplejidad y desconcierto. Su objetivo estaría en favorecer una actitud positiva respecto dicho modelo social propuesto. No se trata de un movimiento artístico que requiera de unas soluciones más o menos esteticistas, sino más bien se trata de una línea de pensamiento que pretende influir en la sociedad. Y, para ello, utiliza los mismos códigos del lenguaje visual que la propia sociedad maneja y le son familiares.Se sirven del reciclaje de elementos gráficos extraidos de los mass media.
Es la misma iconografía de lo cotidiano lo que utilizaran para dar forma a sus mensajes. Se trata de una técnica desarrollada ampliamente por los situacionistas y que ha influido en algunos diseñadores contemporaneos: el "détournement".

Para los situacionistas toda la producción cultural se posee en común, no hay separación entre autores y lectores (entre el artista y el espectador), y no es necesario citar a las fuentes ya que las ideas fluyen libremente. El détournement consiste en la apropiación y reorganización creativa de elementos preexistentes. A diferencia del collage o el assamblage, el détournement era una práctica más anónima y aplicable a diversas situaciones: la escritura, el cine, la propaganda...Según Debord «Todo elemento sea cual sea su procedencia puede utilizarse en la realización de nuevas combinaciones». En el détournement los elementos pierden su autonomía, se descontextualizan y se organizan dentro de un nuevo contexto.
En el détournement los elementos pierden su autonomía, se descontextualizan y se organizan dentro de un nuevo contexto.
Buena parte de la obra situacionista utilizaba la técnica del détournement.
Podemos encontrar algunos ejemplos en las páginas de la revista de la Internacional Situacionista donde se utilizan imágenes manipuladas de los mas media, fragmentos de anuncios, cómics... que sirven como vehículo de las ideas situacionistas. No requiere de demasiado talento, es técnicamente simple y el carácter anónimo de la obra resultante la convierte en algo popular, un instrumento perfecto para la expresión colectiva y en total oposición con la autoridad que supone la obra de un artista.

• SOBRE LA NUEVA ESTETICA
  La era contemporánea es la era de una paradoja :mientras la estética triunfa hasta en los objetos mas cotidianos y triviales ,el mudo del arte se va apartando de las obras para proponer procedimientos ,instalaciones ,performances. "Es como si a mas belleza ,menos obra de arte, o como si al escasear, lo artístico s e expandiera y lo coloreara todo, pasando de cierta manera al estado gas o de vapor, y cubriera todas las cosas como si fuese vaho El arte se volatilizo en éter estético.
  Lo que se traduce y se manifiesta ala luz del día en el desarrollo y posteriormente la inflación del numero de museos y su transformación en templos comerciales del arte
  ( malls del arte) .En estos se consume ,en todos los sentidos del termino" consumir" una producción industrial de las obras y de las experiencias que desemboca, también, en la desaparición de la obra.
  "Las artes ya no son bellas. ""las fine arts"de lo que a veces, bajo la presión del cambio, se llega a designar por medio de una antífrásis que conserva sin embargo la huella de su origen. Las artes que ya no son bellas.
  
• Aunque viene aquejado por la inflación y encaminado a consumirse, este mundo sigue con la reputación de escasez y enrarecimiento por necesidad de mantenerlo a la altura de su reputación y para preservar la ilusión :la ilusión de lo que no tiene precio, aun cuando esta hecho de centenares de millares de transacciones debidamente listada por artprice.com o Kunstkompass.
  Hablo esta vez ya no del mundo del arte, sino de la cultura pop entendido en términos de cultura comercial popular y del mundo de los productos y de los signos que conforman el cimiento de la sociedad ¿Un cimiento? Si, ya que aun siendo inmaterial mantiene juntas casi todas las partes de nuestra s vidas y une a los hombres. Sella entre si nuestras vidas.
  Frente alas diversidad de las civilizaciones, de sus concepciones y usos del arte ,el arte contemporáneo se acerca a rituales efímeros ,ornamentaciones corporales, ornatos , procedimientos pirotécnicos, performances teatrales o religiosas y hasta el arte de los arreglos florales .Es muy probable que por esta vía se llegue a un relativismo sereno y una antropología estética mas preocupada por conductas estéticas que obras, aunque permitan reconstituir las conductas.
  
• PROBLEMA ETNOLOGICO
  Existe un acercamiento de tipo etnológico o sociológico, el cual trata de describir detalladamente los usos y costumbres en vigor en la tribu considerada :exposiciones,modos de transacción comercial o simbólica.
  En este caso se trata de una descripción del mundo del arte como opera para validar ciertos objetos y hacerlos reconocer ciertas funciones y valores ,al mismo tiempo que a ciertos individuos confiere la categoría de artista.
  Mucho mas a menudo la producción contemporánea ha abandonado los cimacios para invadir el espacio .Esta hecha de instalaciones, dispositivos maquinas y demás recursos alterando el medio ambiente destinados a producir efectos visuales, sonoros o ambientales. Estos complejos montajes pueden recurrir a elementos recogidos en el universo cotidiano :objetos en desuso ,basura, envases, carteles, materiales industriales, elementos de decoración y mobiliario ,productos de consumo ,signos de la cultura popular o de la cultura de lujo de "gran consumo" sonidos ,música ,luces ,cámaras cinematográficas y monitores de vídeo.
  
  
• LABORATORIO CALLEJERO
  Es nuestro lienzo. Es nuestra pantalla. Es nuestro altavoz. Todo lo que tenemos ahí fuera, nos puede servir para expresar o comunicar algo de la forma más original y eficaz. Una baldosa, un banco, un muro y hasta una persona. En la calle disponemos de infinitos elementos que nos pueden servir como medio para todo tipo de expresión: cultural, publicitaria, de protesta… El laboratorio callejero es un espacio sin límites. Estará allí donde la calle exprese algo. Un lugar dónde todo aquel que apueste por la calle podrá mostrar ideas, trabajos o cualquier tipo de locura que merezca ser mostrada al mundo. Hay muchas formas de hacerlo: arte urbano, marketing guerrilla, publicidad en la calle o cualquier otra cosa que aun no esté etiquetada. Es el momento de reivindicar lo que es de todos.
  BANKSY
  e sabe poco y nada de él. Bansky, artista callejero inglés, ha revolucionado el ímpetu activista del estarcido —stencil o pintura con plantilla— y el grafiti. Gracias a una envidiable capacidad de subvertir los estados comunes de las cosas —la lógica de la guerra, de la economía, de la sociedad, aceptadas ciegamente—, Bansky ha logrado llamar la atención fuera de Europa y, de paso, se ha convertido en artista de culto y cotizado.
  Los muros citadinos, imperfectos y arbitrarios, son su tela de trabajo. Su calidad y precisión son notorias. Los municipios que gozan —o padecen— con sus intervenciones debaten si dejar indemnes o borrar los trazos irreverentes de Bansky. Da igual: guste o no, logra que adeptos y contrarios alaben o cuestionen su obra.
  Su última jugada ha sido denunciar un ojo omnipresente —como el panóptico de Jeremy Bentham— que observa a todos los ingleses. Ya sea sobre la copa de un árbol o saliendo de un basurero, las cámaras de vigilancia aparecen de improviso y amenazan con captar todos los movimientos humanos.
  
  
  
  
• El Arte en estado Gaseoso.
  Michaud ,Yves.
  F,C.E.
  2003
  México D.F.
  
• Del arte objetual al arte del concepto,
  Epilogo sobre la sensibilidad" Postmoderna"
  Fiz, Marchan
  Ediciones Akal.
  2003
  
• Historia del arte.
  Pijoan ,Jose
  Barcelona
  Editorial Salvat
  1976.
  
  http://artecontempo.blogspot.com/2006/04/situacionismo.html
  
• http://www.andreubalius.com/andreubalius/andreu03_textos03.html